Noto al grande pubblico soprattutto per la realizzazione di un cofanetto portagioie donato al Presidente della Repubblica Giovanni Gronchi nel 1959, Gillio è stato riscoperto in patria grazie alla bella mostra che Valenza gli ha dedicato nel 1997. Come ha scritto la studiosa Maria Carla Manenti (cfr. “Gioielli in Italia”, AOV-Marsilio), “la straordinarietà dell’opera di Gillio è data dalle sue indiscusse capacità creative ed esecutive, che ne fanno un vero artifex rinascimentale, e dalla eccezionale longevità lavorativa che lo ha portato ad affrontare tanti cambiamenti di moda e stile, mantenendosi costantemente aggiornato senza mai rinunciare a una classicità di forme; oltre a questo, la sua sete di novità e uno spirito inquieto, anarchico e solitario lo portarono tra il 1889 e il1895 a Parigi e a Londra dove lavorò per famosi atelier”.

Le sue opere, in effetti, offrono una panoramica esemplare dell’evoluzione del gioiello tra Ottocento e pieno Novecento. Si va, così, dai suoi esordi simbolisti a Torino all’adesione all’art nouveau, per cui gli vennero commissionati vari lavori da prestigiose aziende parigine, relativi non solo a gioielli, ma anche a cornici, medaglie e oggetti d’arte. Tra il 1905 ed il 1919 egli arrivò a dotarsi di un proprio punzone caratterizzato da due spighe incrociate, tra le quali si inseriscono le iniziali JG (Joseph, alla francese, Gillio). Sono questi gli anni dominati dai motivi vegetali ed animalier, nonché dalla figura femminile interpretata come femme fatale, che evoca suggestioni erotiche ed ambiguità, colta in atteggiamenti che si spingono fino al labile confine tra arte e pornografia (vedasi quale chiaro esempio l’anello denominato “La primavera”, raffigurante un plastico e sensuale nudo a figura intera).

Si inseriscono nella sua produzione, poi, anche temi classicheggianti e, in particolare, di ispirazione rinascimentale, finché Gillio tra il 1915 e la fine degli anni ’30 si volge al geometrismo art-déco, tornando solo negli anni ’40 a forme più morbide e ampie, a riprova della sua continua disponibilità ad aggiornarsi secondo la moda del tempo (si ammiri questo suo mutamento di stile nel magnifico pendente in oro, platino e diamanti, che rappresenta il mito di “Amore e Psiche”).

Dopo la morte del sommo maestro, alcune sue opere sono state completate dall’allievo valenzano Luigi Baggio, che Gillio ebbe sempre molto caro ed a cui fece dono dei suoi attrezzi da lavoro.

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La locandina di Pitti Uomo '82

Tutto lo staff di Pitti Immagine a presentare in una conferenza stampa l’82 esima edizione di Pitti Uomo in programma dal 19 al 22 giugno 2012. Cauti nel loro ottimismo. Gaetano Marzotto Presidente di Pitti Immagine, riconosce che rispetto al 2009 la situazione è migliorata, ma solo grazie al buon andamento dei mercati asiatici, compresa la Corea del Sud, che scelgono l’abbigliamento griffato italiano; più critica la situazione a monte della filiera per i produttori di filati e tessuti. Secondo i dati forniti da SMI e riferiti da Gaetano Marzotto, nel primo trimestre 2012, il fatturato nazionale ha registrato un -4,6%, mentre quello estero è cresciuto del 5,5%. Forse questa è la ragione per cui Raffaello Napoleoni amministratore delegato di Pitti Immagine confessa di non aspettarsi “ grandi numeri dai buyer italiani, si invece ottime performance dai compratori esteri”. Comunque i numeri di Pitti ‘82 sono 1024 marchi/collezioni,  di cui 374 (il 36% del totale) provenienti dall’estero e  70 quelle previste per Pitti Woman, il salone-evento dedicato ai progetti di moda donna”.

Pitti Uomo, “la piattaforma più importante a livello internazionale per le collezioni di abbigliamento e accessori uomo e per il lancio di nuovi progetti sulla moda maschile”, ha scelto come tema, condiviso con tutti i saloni estivi, il food con una interessante motivazione: quella di “ ri-appropriarsi di motivi fondamentali del vivere e del convivere che suggeriscono anche motivi di re-invenzione dell’estetica e dell’ecologia nostra e del panorama urbano”.

Naturalmente Pitti interpreterà il tema del food con ironia ma anche con grande inventiva, sempre di impatto in modo che il messaggio sia molto chiaro. Il piazzale della Fortezza da Basso sarà trasformato in appezzamenti di terreno coltivano  con tanto di frutta e verdura di stagione, sorvegliato – il messaggio è esplicito- da 30 spaventapasseri. Ed ecco un’altra interessante “trovata” per coinvolgere gli espositori: gli spaventapasseri saranno vestiti con gli abiti che per loro confezioneranno altrettanti brand tra quelli che saranno presenti tra gli espositori.

E poi le 11 sezioni

Pitti uomo dove si incontrano tradizione ed innovazione; sartorilità e contemporaneità

Por Up Store, un miscuglio di prodotti, dai cosmetici alle  scarpe, borse, gioielli, occhiali ecc.

Futuro Maschile laboratorio di ricerca sulle nuove espressioni del formale

Make alla riscoperta dell’artigianato e del “su misura”

Touch

L’altro uomo collezioni ed accessori per una creatività internazionale d’avanguardia.

New Beat(S) i giovani designer c tra i più interessanti oggi nel panorama del fashion che si presentano al primo appuntamento con il pubblico internazionale proprio a Pitti Uomo.

Sport &Sport protagonista e lo sportswear

Ynformal protagonista l’abbigliamento informale

Urban Panorama  protagonista è il denim una certa patina vintage

My Factory spazio per stili emergenti,nel segmento urban e sportswear.

Infine gli eventi speciali

CARVEN il brand francese  guidato da Guillaume Henry è menswear guest designer a Pitti uomo ’82.

La maison Valentino per la seconda volta consecutiva presenterà la sfilata della collezione Valentino Uomo Primavera/Estate 2013

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Katniss e Peeta alla sfilata dei Tributi

In una realtà distopica e postapocalittica, sulle rovine del Nord America sorge la nazione di Panem, soggiogata al potere della ricca Capitol City. Come monito per una ribellione scoppiata molto tempo prima, la nazione divisa in 13 distretti – di cui solo 12 rimasti funzionanti – è costretta ogni anno ad inviare in città 24 tributi (un ragazzo e una ragazza per ogni distretto) dai 12 ai 18 anni per partecipare agli Hunger Games, il reality show più amato e seguito dagli abitanti di Capitol City. Reality che non ha il solo scopo di soddisfare il voyeurismo malato degli spettatori, ma anche e soprattutto quello di esercitare un controllo politico sui distretti, un modo per mantenere l’ordine e stringere sempre più la morsa attorno al collo dei più deboli e sofferenti.

I tributi verranno addestrati, restaurati, intervistati, manovrati come burattini e trasformati in celebrities tutte glamour e sorrisini, per poi essere condotti in un’arena dove dovranno combattere fino alla morte gli uni contro gli altri, finché non ne rimarrà soltanto uno. Sebbene possa sembrare assurdo, non sono solo le armi e la preparazione atletica a contare. Ogni tributo è infatti seguito da uno staff di estetisti e parrucchieri, ma soprattutto da uno stilista che ne cura il look in maniera ossessiva. Sì, perché nel circo di assurdità che si rivelano essere gli Hunger Games, il giusto look può salvarti la vita. Una fase cruciale della sfida infatti avviene ben prima che i concorrenti accedano all’arena: si tratta di conquistare sponsor apparendo al meglio del proprio aspetto, perché gli sponsor sono i ricchi abitanti di Capitol City e, se si riesce ad attirare la loro attenzione, si verrà ricompensati con doni inviati da piccoli paracadute direttamente nell’arena, quando un fiammifero o un po’ d’acqua possono fare la differenza tra la vita e la morte.

Katniss durante l'intervista

A Katniss Everdeen (interpretata magistralmente dalla bellissima e talentuosa Jennifer Lawrence) e Peeta Mellark, i tributi del distretto 12 – il distretto dei minatori – ci pensa Cinna, promettente stilista di Capitol City, ma ben lontano dagli eccessi che il gusto cittadino impone. Alla sfilata in cui i Tributi vengono presentati per la prima volta agli sponsor, il distretto 12 è sempre stato penalizzato: l’obiettivo infatti è quello di richiamare alla mente il territorio di appartenenza, e così il giovani del 12 si sono sempre ritrovati sporchi di carbone con addosso informi tute da minatore, incapaci di attirare l’attenzione. Ma Cinna ha pensato a qualcosa di diverso per Peeta e Katniss: li veste con aderenti tute di pelle nera, austere e seducenti allo stesso tempo, che verranno accese durante la sfilata, facendo fiammeggiare le spalle dei due Tributi e offrendo uno spettacolo mai visto prima. Katniss si guadagna così il soprannome di “Ragazza in Fiamme” e l’attenzione della platea. E Cinna coglie il suggerimento, preparando un costume mozzafiato per l’intervista singola della coraggiosa ma riservata Katniss: un abito lungo rosso fuoco, elegantissimo, con una cascata di diamanti sulla spalla che, riflettendo i bagliori delle luci sul palco, sembrano tante piccole scintille. Ma il coupe de theatre arriva quando la ragazza dichiara di indossare ancora le sue fiamme e, alzatasi in piedi, fa una piroetta: ecco che la gonna si apre, rivelando lingue di stoffa gialle e nere, brillando e ondeggiando come un falò in una notte estiva. Il pubblico è estasiato, gli spettatori in sala anche, e la nostra eroina si conquista così l’appoggio degli sponsor.

Effie Trinket, abitante di Capitol City

La descrizione dell’abito resa così bene da Suzanne Collins, l’autrice del romanzo da cui è tratta la pellicola, prende vita grazie all’arte di Christian Cordella, costumista di origini salentine emigrato all’estero per cercare fortuna. Non sono solo questi due costumi – realizzati in collaborazione con la costumista Judianna Makovsky – a raccontarci il talento di Cordella. I costumi del film sono in uno strano equilibrio tra atmosfere futuristiche e secondo dopoguerra. Gli abitanti di Capitol City indossano colori sgargianti, accessori bizzarri, abiti kitsch. Tingono capelli e sopracciglia di fuxia accesi, blu elettrici o accecanti gialli, si truccano tanto da somigliare a maschere grottesche, e ben rappresentano l’ostentazione dei ricchi abitanti.

Il contrasto con la popolazione di Panem è ancora più evidente: i loro abiti sono scuri, richiamano i colori dei boschi che circondano le loro case, niente trucchi o gioielli, nessun fronzolo. E alla cerimonia della Mietitura (quando vengono estratti i nomi dei Tributi che parteciperanno ai giochi), dove il governo impone che ci si presenti al meglio, col vestito più bello, il distretto 12 è una macchia indistinta di bianco sporco, azzurro e grigio. Colori freddi, spenti, che richiamano alla mente le tristi immagini dei deportati nei campi di concentramento. Ogni abito diventa espressione di altro: stati d’animo, provocazioni, critiche… il tutto senza forzature, dando un forte contributo alla narrazione.

La cerimonia della Mietitura

Sebbene il contenuto della pellicola possa sembrare così lontano dalla nostra realtà e gli abitanti di Capitol City così degni di biasimo, siamo così diversi noi che godiamo dell’aggressività scaturita dalle tifoserie dei concorrenti dei reality? Ci distinguiamo quando ci sintonizziamo per vedere persone abituate alla civiltà immergersi in contesti selvaggi ed esercitarsi alla sopravvivenza? O quando tutto quello che aspettiamo è lo sbocciare di una storia d’amore in diretta tv? E il vezzo di pitturarsi le ciglia di rosa confetto solo per attirare l’attenzione, non è forse simile agli abusi di silicone della nostra società?

Katniss diventa così simbolo di una ribellione non solo cinematografica; accende un’eco di interrogativi nei nostri cuori e ci consegna un messaggio: anche una sola piccola scintilla può causare un incendio.

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2007 Cerchio. Firenze Villa Bardini Museo Fondazione Roberto Capucci Abito-scultura

L’Associazione Moda e Modi (www.modaemodi.org) e la rivista on line IMORE (www.imore.it) lanciano un concorso per giovani designer che vede protagoniste le opere –abiti scultura- di Roberto Capucci.
Tutte le notizie sul concorso sono reperibili a partire dal 23 aprile 2012 al seguente indirizzo www.concorsocapucci.org.

Ma facciamo un po’ di storia.

Poco più di un anno fa -dalle pagine della nostra rivista IMORE, attraverso la rubrica Questioni di stile che vedeva protagonista un maestro della moda italiana, Roberto Capucci- ponevamo una serie di domande sul tema della creatività.

Cosa è la creatività?

Le statistiche ci indicavano che per i giovani – a cui erano rivolti gli interrogativi – la creatività è innanzitutto talento naturale, ma alimentato da studio, ricerca, esperienza; è capacità di cogliere ed esprimere un cambiamento, anzi di anticipare il cambiamento e quindi è innovazione, ma anche rivisitazione – conoscenza quindi – della tradizione, di ciò che è già stato “sperimentato”. Quindi niente che abbia da spartire con ciò che è strano, bizzarro, o trasgressivo che renderebbe non utile ed efficace il pensiero, l’oggetto, il comportamento nuovo.

Da qui è nata l’idea di lanciare un concorso che potesse essere di stimolo alla creatività di giovani designer. Così, promosso dall’Associazione Moda e Modi, dalla Rivista on line www.imore.it e dalla Fondazione Capucci, dal 23 aprile parte il concorso “Roberto Capucci per i giovani designer. Oltre (a)gli abiti – Il design prende una nuova piega”. Giovani talenti del design e anche della moda si cimenteranno nella realizzazione di creazioni ispirate agli abiti-scultura di Capucci segnalati come fonte di ispirazione: gli elaborati selezionati saranno esposti durante il Salone del Mobile di aprile 2013 (9-14 aprile) accanto ai bozzetti e agli abiti scultura di Roberto Capucci scelti dagli organizzatori come fonte di ispirazione.

I partecipanti al concorso saranno selezionati attraverso un bando rivolto a giovani designer italiani (18-35 anni) e agli alunni delle scuole di design italiane e giudicati da un comitato presieduto da Roberto Capucci. Saranno anche accolte partecipazioni di designer non italiani.

Gli iscritti avranno la possibilità di elaborare dei manufatti ispirandosi alle caratteristiche degli abiti-scultura di Capucci con la massima libertà nell’uso dei materiali e nelle tecniche di lavorazione.

Tutte le notizie sul concorso sono reperibili a partire dal 23 aprile 2012 al seguente indirizzo www.concorsocapucci.org.

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2007 Lune lune Panchetto

Un’artista cara alle muse della moda. Questa è Carla Tolomeo, pittrice, scultrice, ceramista, incisore, scrittrice, che dal suo primo maestro Giorgio De Chirico ha ereditato la cultura e la sensibilità per le metamorfosi della natura e dell’animo umano. Per lei tutto è trasformazione e nulla esiste che non sia distillato nella coscienza onirica per poi materializzarsi oltre l’illusorio velo di Maya.

Il fashion system ha fatto di lei anche una designer nonché una visual merchandiser d’eccellenza, visto che l’avventura in questo mondo iniziò in virtù di una collaborazione con Anna Molinari di Blumarine, che nel 2000 le commissionò le sedie-scultura “Rose Chair” esposte in tutte le boutique del pianeta del celebre brand emiliano. Invece, con i tessuti realizzati ad hoc da Ottavio Missoni la Tolomeo creò e mise in mostra presso lo Studio Cappellini a Milano alcune sedie-scultura che incantarono il pubblico (quella per le sedie fu una passione bruciante che la coinvolse sin dalla metà degli anni ’90). Fu quindi la prestigiosa casa francese Hermès, nella persona dell’art director Leyla Menchari, a volerla nel 2002 per il progetto delle proprie vetrine parigine di Faubourg Saint-Honorè nel periodo natalizio: un trionfo di magia e colore! Da allora 4 sue sculture sono stabilmente collocate presso il Museo Hermès. Poi nel 2003 l’artista ideò per le lussuose hall e gli storici ambienti dell’hotel parigino “Le Meurice” strepitosi mobili-scultura che hanno conferito un tocco di trasgressione all’atmosfera. Non a caso fece il giro del mondo la foto di Dita von Teese ospite dell’hotel, che fu la prima celebrity a sedersi sul fiabesco divano rosa concepito dalla fantasia di Carla Tolomeo.

2007 red rose

Da anni Carla Tolomeo porta avanti un suo personalissimo itinerario artistico che, pur spaziando in vari ambiti, dall’iniziale vocazione metafisica si dirige puramente verso la sperimentazione “giocosa” di forme e materiali, aspirando a trasformare certi oggetti quotidiani in opere d’arte sì fastose e raffinate, ma fruibili, che sembrano arrivate come un grato dono da un Eden felice, popolato di fiori, frutti, foglie, animali arcobaleno, solo per recare agli uomini allegria e felicità.

Si vedano, appunto, le sue meravigliose sedie che concentrano molteplici riferimenti letterari ed echi di culture lontanissime. Così le ha descritte lei medesima: “Quasi sempre la struttura è verticale, totemica, cerca il cielo come la natura stessa insegna, in infinite variazioni da musica barocca, che sale sempre simile a se stessa e sempre diversa e sempre più in alto, aspirando a qualcosa che è perfetta armonia… Perché in questa operazione di puro piacere io non faccio che raccontarmi la mia vera vita, le mie esperienze più profonde che attraverso il viaggio mi hanno portata alla rivelazione di me e della mia creatività…”.

In sostanza, una sedia per Carla Tolomeo non è solo un pezzo d’arredo su cui sedersi, ma rappresenta una sorta di “medium” (e nello stesso tempo di messaggio in senso mcluhaniano) per accedere ad un universo parallelo, quasi il Wonderland di Alice, dove l’eleganza della struttura si arricchisce di suggestioni oscillanti tra passato e presente per dare diletto alla mente ed al corpo: “per restituire al quotidiano l’uso della bellezza, dei materiali nobili, per dare brividi con il velluto e suggerire attese toccando il raso di seta…” spiega l’artista.

Oltre che per le sedute,la Tolomeoè celebre per le sue ceramiche policrome ispirate al bestiario fantastico di Borges e per i bianchi marmi astratti che con la loro “leggerezza” sembrano sfidare le leggi della fisica.

2008 totemgreen parrots

Carla resta comunque la chair-lady, “ideologa” dell’oggetto utile&banale che può farsi arte se a colorarlo, strutturarlo, ornando, vestirlo provvede uno spirito creativo come il suo. Lei stessa, infatti, “confeziona” le sue opere, selezionando tessuti, colori, paillettes, pattern, che poi lavora di persona ricamandoli e decorandoli con la passamaneria.

Presente nelle principali rassegne internazionali di arte contemporanea, importanti musei, prestigiose gallerie e spazi pubblici, Carla Tolomeo ha un rapporto speciale con Milano, dove tra l’altro ha curato l’installazione dell’originale mosaico della stazione della metropolitana di Bisceglie ed ha dipinto il quadro “L’albero della Giustizia”  per il Palazzo di Giustizia (si tratta una tela ad olio di25 metriquadrati, i cui disegni preparatori sono stati acquisiti dal Museo Nazionale di Budapest).

Carla si è anche dedicata con successo all’incisione, realizzando numerose lastre per i “bestiari” di Borges e Montale, quindi lasciandosi ispirare da Baudelaire, Casanova, Dante, Verlaine ecc., non disegnando nel contempo la pittura ad acquerello affascinata dal Petrarca.

Le ultime sue “grate fatiche” riguardano Pitti Firenze, dove è stata inviata da Linea Più con 5 mega-installazioni, la collaborazione con primari brand internazionali, la messa a punto di ben 40 sculture per l’Asia Museum di Seoul, la preparazione dell’intervento alla prossima mostra alla Triennale di Milano su invito di Gillo Dorfles, la scrittura del romanzo “La volpe monca”, l’esposizione al Museo Piaggio di Pontedera (accanto alle splendide ceramiche del filippino Richard Gabriel di cui lei stessa è “musa”)… e molto altro, a conferma del fatto che ci troviamo di fronte ad un’artista “integrale” in senso rinascimentale, a tutto tondo come una sua scultura.

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Elsa Schiaparelli e Salvador Dalì - ph. courtesy Tod's

Nacque a Roma nel 1890, negli anni ’20 si trasferì a Parigi, dove aprì una casa di moda. Il rosa shocking, i tessuti a simulare un ritaglio di giornale, le farfalle, la boccetta di profumo a forma di busto sartoriale, l’abito “lacrima” ispirato a Salvador Dalì, il celeberrimo cappello-scarpa col tacco che punta verso l’alto – e che le ha fatto guadagnare l’associazione ai Surrealisti… Elsa Schiaparelli non fu una semplice stilista. Scomparsa più di 60 anni fa, continua ad essere una fonte d’ispirazione per i designer di oggi.

Nel 1927 presentò la sua prima collezione di sportwear, ma è negli anni ’30 che si forma l’immagine della Schiaparelli, fatta di una femminilità impalpabile, vaporosa, poetica, che l’ha resa celebre. I suoi modelli sono ricchi di fantasia, talvolta eccentrici, eppure sempre equilibrati e ben proporzionati; accompagnano le curve del corpo della donna senza mortificarne la figura. Le sue più belle collezioni le firmò tra il 1935 e il 1940, declinando svariati temi e ispirandosi a mondi tanto diversi tra loro: il circo, la commedia dell’arte, l’astrologia, le farfalle,la Veneredel Botticelli… La sua non fu mai solo moda: fu incanto, cultura, passione.

A riconoscere il grande talento della Schiaparelli fu Coco Chanel, designandola come sua più grande rivale, temendo e “odiando” quell’italiana che si trasferì a Place Vendome, nella sua Parigi, per brillare.

Che il successo della Schiaparelli non fosse destinato a tramontare potevamo immaginarlo – complice anche la mostra appena inaugurata al Metropolitan di New York “Schiaparelli and Prada: Impossibile conversations” -, quello che invece ci coglie di sorpresa è l’annuncio della rinascita della maison. Il progetto è di Diego Della Valle, patron di casa Tod’s, che ha già dimostrato la sua abilità con il rilancio delle calzature francesi Roger Vivier. L’imprenditore aveva acquistato gli archivi e i diritti di Elsa Schiaparelli nel 2007, e ora riparte da Parigi per far rivivere il mito.

Bozzetto Elsa Schiaparelli - ph. courtesy Tod's

A giugno, durante la settimana della Haute Couture, sarà inaugurata la sede della Maison Schiaparelli al 21 di Place Vendome, nello stesso edificio dove, nel lontano 1935, la stilista aveva aperto il suo atelier. Lo storico indirizzo sarà ristrutturato in chiave contemporanea, pur conservando il fascino storico dell’atelier.

Farida Khelfa, attrice francese originaria dell’Algeria con un passato da modella, sarà l’ambasciatrice della Maison. Già musa di Jean Paul Gautier e di Azzedine Alaïa, la Khelfa incarna oggi la capacità di interpretare l’avanguardia degli abiti con la sua forte personalità. “E’ con grande entusiasmo ed orgoglio che ho scelto di rappresentare Schiaparelli. La prima designer che ha fuso arte della moda conla Haute Couture, ed ha ispirato così tanti designer fino ad oggi”, ha commentato l’attrice.

A settembre la presentazione dello stilista, non ancora nominato. Voci di corridoio fanno i nomi di Rodolfo Paglialunga e John Galliano; il primo artefice del rilancio di Madeline Vionnet, il secondo ex direttore creativo di Dior, licenziato a marzo dell’anno scorso dopo l’incresciosa vicenda degli insulti razziali.

I primi prodotti del nuovo marchio saranno presentati a febbraio 2013, e il marchio promette collezioni speciali sia negli abiti che per profumi e cosmetici, con grande attenzione agli accessori – da sempre punto focale delle creazioni Schiaparelli. “Una traduzione fedele ma molto moderna inseguirà il vero obbiettivo dell’operazione: recuperarne il ‘sogno’ e tutta la sua modernità”, assicura Diego Della Valle “Nessuna rincorsa ai tempi commerciali del mondo della moda, ma un lavoro che punti al meglio, nel gusto e nella qualità, con tutta la calma necessaria per farlo”.

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Logo Altagamma

Lunedì 7 maggio 2012, come da tradizione, presso il Museo della Scienza e della tecnologia di Milano si è svolto l’aggiornamento primaverile dell’Osservatorio Altagamma.

Claudia D’Arpizio, partner di Bain&Co., e Armando Bianchini, Segretario Generale di Fondazione Altagamma, hanno presentato gli aggiornamenti del Monitor Altagamma sui Mercati Mondiali e del Consensus Altagamma, in collaborazione con analisti internazionali specializzati.

Il Monitor conferma che la progressione delle vendite di beni di lusso non si arresterà, fatta eccezione per i mercati di Spagna, Giappone e Italia. Anche se, per quanto riguarda il Bel Paese, Armando Bianchini dichiara: “L’Italia è particolarmente fragile, ma nelle città turistiche quali Roma, Firenze, Venezia e Milano può contare su un flusso importante di clienti esteri”. In ogni caso, il mercato mondiale del lusso dovrebbe passare a più di 200 miliardi di euro nel 2012 – ricordiamo che il 2011 ha visto una crescita di 191 miliardi – con una crescita stimata del 6-7% a tassi di cambio costanti.

In queste circostanze, non si conferma valida la distinzione tra mercati maturi ed emergenti per analizzare l’andamento in diverse aree geografiche; i cosiddetti mercati maturi hanno performance in antitesi: escludendo i casi di Italia, Spagna e Giappone, il resto d’Europa e gli Stati Uniti si dimostrano solidi – con un peso crescente dei Paesi dell’Est grazie ai flussi turistici.

Ma è la Cina che continua ad essere il motore della crescita, con un tasso del 18-22% nel 2011. Claudia D’Arpizio conferma: “Questo mercato continuerà ad offrire un enorme tasso di crescita nei prossimi anni. I cinesi rappresentano il 20% dei consumi mondiali del lusso nel mondo e la totalità dell’Asia più del 50%”. Grandi aspettative anche per l’India, vista come la più grande opportunità di sbocco per le griffe di lusso nei prossimi 10 anni, che mostra una crescita del 15-20%. L’invito è a prestare attenzione anche ad alcuni nuovi mercati emergenti, come Sud Africa, Asia Centrale e Sud Est asiatico – in particolare Indonesia e Vietnam.

Osservando le categorie di prodotto, si nota che sono gli accessori a coprire la fetta maggiore del mercato – sia gioielli e orologi che pelletteria. L’abbigliamento fatica ad affermarsi, sfidato nuovamente dai brand fast fashion.

L’aggiornamento del Consensus Altagamma conferma una crescita del margine operativo lordo (EBITDA) del 10% per il 2012.

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Locandina del corso

Partire dal passato, immergersi nelle principali correnti artistiche, trarre spunti da esse per realizzare un book di schizzi che siano fonte di ispirazione per un abito in materiale non tradizionale (cartone, carta per cartamodello, ecc.) a sua volta ispirazione per altro.

Ma anche attingere ad una visione interdisciplinare in cui stilismo, musica, scenografia, sfilate immettono nel quadro di riferimento delle più recenti tendenze della moda.

Sono questi gli obiettivi di due workshop promossi da Bilboost/Art&Fashion assieme all’Università UPV/EHU, Università dei Paesi Baschi e Creativity Zertrum una associazione senza fini di lucro che si propone di promuovere le industrie della creatività. Tre giorni di lavoro pratico per mettere alla prova la propria creatività e trasferirla negli schizzi sotto la guida dei docenti. Indirizzati a studenti di disegno di moda o comunque a chi, vicino al mondo della moda, voglia cimentarsi e rendere operativi concetti ed idee nuove.

Il workshop Disegno creativo è in programma nei giorni 25,26,27 giugno; il secondo Miti e realtà della moda si svolgerà il 3,5,5 luglio. Ambedue avranno come scenario il Museo Balenciaga.

Bilboost www.bilboost.com è un portale dedicato ai giovani stilisti. Una vera piattaforma virtuale in grado di facilitare per i giovani il contatto con il mondo del lavoro specifico e di dare un impulso alla loro capacità imprenditoriale. Mostrare il proprio portfolio, farsi conoscere, rafforzare il brand, offrire opportunità più ampie di migliorare la propria carriera professionale attraverso le nuove tecnologie: i sono i servizi più globali che il portale vuole offrire ai giovani.

Per informazioni sui corsi

http://www.bilboost.com/news/article/425/2012/4/12/?title=Sign-up-now

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Uomo d'affari cinese

LA NUOVA VIA DELLA SETA PASSA PER SORAGNA

La notizia suona paradossale, rasentando l’ossimoro. Dopo tanti mantra all’indirizzo degli articoli italiani fabbricati in Cina, ecco che ora è nato il primo fashion brand cinese interamente prodotto in Italia: è SheJi-Sorgere, nome che evoca i colori della terra e la sua fertilità. A tirare le fila di questa mini rivoluzione culturale sono la China Garments Co., società a partecipazione statale, quotata alla Borsa di ShenZhen, e la Caruso Spa di Soragna (nel Parmense), in listino a Piazza Affari a Milano. Scopo dell’operazione è realizzare capi maschili d’alta gamma per l’élite economica ed intellettuale del Paese asiatico, dove sono oltre tre milioni i cittadini considerati “affluent”. Costoro, dopo aver sperimentato gli abiti dei grandi stilisti occidentali per ansia di autostima e legittimazione, sono ora desiderosi di un total look di manifattura eccellente come quella italiana ma con un concept tutto mandarino. Lo stile di questo menswear è sobrio e raffinato, con cuciture preziose, fili d’oro a disegnare i gessati, bottoni sofisticati, particolari curati in modo maniacale, tessuti di pregio (cashmere, seta, velluto, pelliccia), per gente che ormai conosce bene l’essenza del vero lusso, anche se vuole continuare ad indossare completi-uniformi, giacche “alla coreana”, colli alti, colori spenti. L’importante è che siano “luxury” ed interpretino alla perfezione il nuovo “power suit”. Ricordiamo, per inciso, che nella fabbrica di Caruso a Soragna lavorano oltre 600 addetti, artigiani di grande professionalità capaci di dar vita a 2000 prototipi sartoriali per stagione. W la Cina made in Italy!

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Villa Necchi Campiglio

UN PONTE TRA PASSATO E FUTURO NEL DESIGN DI VILLA NECCHI

Far rivivere lo stile originale della famiglia alto-borghese Necchi Campiglio, che nella Milano della prima metà del XX secolo si distinse per l’affascinante vita dei suoi componenti all’insegna della squisitezza nella moda e nell’arredamento: questo è l’obiettivo che si propone la mostra “Villa Necchi: dettagli di vista e nuove visioni 2012”, allestita nelle raffinate stanze della dimora stessa (costruita nel cuore del capoluogo lombardo negli anni ’30 su progetto dell’arch. Piero Portaluppi). Ad organizzare l’evento, in programma dal 13 Aprile al 6 Maggio (in occasione del Salone del Mobile che pervade l’intera Milano), è il FAI (Fondo Ambiente Italiano) in collaborazione con Fabrica, il centro di ricerca sulla comunicazione del Gruppo Benetton. Vi si trovano esposti i prototipi di oggetti di design, moda, arredo, concepiti ad hoc dal team dei giovani creativi di Fabrica ispirati alla storia, all’architettura ed agli accessori autentici della Villa. Così, tra piatti che richiamano gli affreschi delle volte dei soffitti, porta-iPad in pelle lavorata artigianalmente, attrezzi da caminetto con base di marmo, sedie in cuoio e tavoli che ricordano quelli da gioco, i visitatori non possono che sentirsi coinvolti nel “dialogo” tra oggetti del presente e del passato che si incontrano, esaltando i particolari. La rassegna, ideata e curata da Sam Baron, Matteo Schubert e Francesca Serrazanetti, si avvale anche dell’ausilio di video, pannelli e schizzi di progettazione esplicativi del lavoro dei designer. Alcuni dei prestigiosi marchi interpellati per realizzare i nuovi pezzi in mostra (ad esempio Alessi, Ginori, Amoroso) continueranno poi a produrli per il mercato o li metteranno all’asta a scopo benefico. 

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Ottavio Missoni

IL SENSO DI OTTAVIO PER IL COLORE

“Il genio del colore” è l’azzeccato titolo della mostra itinerante che la Slovenia ha voluto dedicare al nostro grande stilista Ottavio Missoni dal 5 al 30 Aprile presso lo storico complesso del Vetrinjski dvor di Maribor (l’esposizione si trasferirà poi a Capodistria, Pola, Rovigno, Fiume). Jugoslavo d’origine (è nato a Ragusa, l’attuale Dubrovnik) il 91enne Ottavio (Tai per gli amici) può vantare un’esistenza straordinaria, costellata di successi grandiosi non solo nella moda, ma anche nello sport (fu campione olimpico nei 400 metri piani) e nell’arte (è pure un apprezzato pittore). E su questi 3 temi che caratterizzano la sua vita si è declinata la mostra oltreconfine (organizzata dall’Unione Italiana), che è stata scelta dall’Ambasciata d’Italia per inaugurare il programma “Maribor Capitale Europea della Cultura 2012”, sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano. L’evento racconta la storia di un autentico “rivoluzionario” della moda, che con la moglie Rosita ha portato una ventata di rinnovamento nel comparto della maglieria in un’apoteosi di colori, disegni astratti, righe, zigzag, greche, grafismi estrosi e inconfondibili tanto da divenire un marchio di fabbrica. La rassegna slovena ripercorre le diverse fasi della lunga vita di Missoni attraverso i successi conseguiti nei vari campi in cui egli si è confrontato con se stesso prima che con gli altri, attingendo la sua forza forse proprio da quella creatività che si è espressa alla massima potenza nel senso per il colore.

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Fondazione Gianfranco Ferrè

UN PRIMATO CHE VIENE DA LONTANO

Un ciclo di conferenze suggestive che si declinano in quattro lezioni di moda milanese: è questa la straordinaria occasione offerta agli appassionati di moda e storia ambrosiana nel mese di Maggio. Teatro degli incontri – raccolti sotto il titolo “Milano capitale della moda dal Quattrocento ai giorni nostri”- è la Fondazione Gianfranco Ferrè in Via Tortona, dove ogni lunedì alle h 18 si alternano in veste di relatori illustri personaggi quali Silvio Leydi che affronta il tema delle raffinate armature cinquecentesche (7 Maggio), Aldo Citterio che si occupa dei gioielli rinascimentali (14 Maggio), Chiara Buss che tratta della moda in città da Bianca Visconti Sforza a Bianca Rhò (21 Maggio), Enrica Morini che esamina il processo evolutivo dalla  grande sartoria al prêt-à-porter (28 Maggio). Alla base dell’iniziativa vi è la riflessione sul fatto che già nel XV secolo Milano era il principale polo europeo del lusso, in cui venivano prodotte le armature, i tessuti, i pezzi di oreficeria più belli e sofisticati. Quindi le origini dell’attuale primato del capoluogo lombardo nella moda e nel design vanno ricercate senz’altro nelle antiche botteghe dell’epoca sforzesca.

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